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TEMA 8

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Tema 8

 El tema trata de todo lo relacionado con la evaluación.

Para mí la evaluación significa como se valora. Es un proceso por el que se analiza algo en concreto según unos criterios. Personalmente pienso que la evaluación no es calificar a los alumnos al final de curso, sino ayudarlos a mejorar.

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Evaluar es algo muy importante, no está hecho para medir sino para que los niños aprendan y corrijan sus errores, para mejorar la programación y los procesos de enseñanza-aprendizaje.

Una vez que se ha hecho todo esto es cuando tenemos que hacer una calificación individual de cada niño. La calificación la considero una auténtica barbaridad, ya que convertimos a los niños en un número, en una nota y según esa nota van a ser tratados por los maestros de una forma u otra.

Pienso que la evaluación tiene bastantes problemas como que se hacen juicios a los niños cuando está cambiando mucho intelectualmente. Además la evaluación es como una “apéndice”, creo que debe ser desde el principio. Por otra parte creo que no hay que valorar lo que es la norma sino valorar según las capacidades de los niños. Además muchos maestros sólo ven lo que hacen mal los niños y no ven aquello que hacen bien.

La evaluación abarca toda la enseñanza y se dan tres fases en ella:

Fase inicial: se da al principio del curso, del ejercicio. El objetivo de esta fase no es otro que ver donde están los alumnos, conocer sus conocimientos. En cuanto al dibujo, en esta fase se da la famosa frase “con el arte se nace”, ya sabemos que esto es un error, ya que cualquiera con esfuerzo y empeño puede aprender a dibujar.

Fase formativa: se da durante el transcurso del año. Nos sirve para ayudar a los alumnos y su objetivo es corregir tanto a los alumnos como a nosotros mismos, los maestros. En lo que se refiere al dibujo, en esta fase si a algún niño le resulta difícil el hacer un dibujo, no tenemos que calificarles negativamente, sino buscar otras fuentes que le permitan mejorar.

Fase sumativa: es como una especie de resumen del curso. Esta fase concluye con una calificación en la que se ve si los alumnos han sido capaces de lograr los resultados fijados a principio del curso académico.

Pienso que otro de los problemas que tiene la evaluación es que es polisémica, es decir, que tiene muchos apellidos (evaluación inicial, formativa, sumativa, continua etc.)

Además de estos tipos de evaluación hay nuevas concepciones. Fernando Hernández aporta lo siguiente:

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Fernando Hernández

–          Recordar información ya no importa tanto como el poder aplicarlas a otras situaciones. A mí no me sirve saber por ejemplo historia, me sirve saber historia para ayudarme a explicar la realidad.

–          No es tan importante recordar fórmulas y aplicarlas sino el idear nuestras propias fórmulas para resolver nuestros problemas. No es suficiente con saber hacer cosas sino plantearse problemas nuevos.

–          No son tan importantes ya los resultados sino el proceso que el niño va a usar para aprender. Me interesa no que un niño sepa todas las capitales de Europa, sino cómo las sabe.

–          Hemos pasado de valorar la cantidad de información acumulada en nosotros mismos a darle sentido a esa información para así convertirla en conocimiento. Los niños deben ser autónomos, tienen que buscarse información y saber gestionarla y discriminarla, elegir entre que información sirve y que información no.

Pienso que estos 4 puntos debemos tenerlos siempre en cuenta a la hora de evaluar porque nos va a ayudar  en no convertir al alumno en un “ordenador” que almacene información. Debemos convertir al niño en lo que realmente es, una persona que va aplicando la información que tiene a las dificultades y los obstáculos que se le ponen por delante.

Al evaluar: ¿Qué NO debemos hacer?

Evaluar a personas, no comparar ni humillar a los alumnos. Tenemos que considerar que nuestra evaluación nunca será un juicio definitivo. Tenemos que evitar las típicas etiquetas de el “torpe”, el “empollón”, el “caso perdido” etc.

Por ejemplo los maestros de Einstein decían que era “tonto” y sin embargo fue el científico más importante y famoso del siglo XXI. Otro caso especial es el de Van Gogh. En principio dibujaba mal y sin embargo se convirtió en el mejor pintor del siglo XIX. Estos dos casos son ejemplos de malos docentes y nos hacen ver que no debemos colocar etiquetas a ningún niño aunque se le de alguna cosa mal, porque puede que sea todo un especialista en otro tipo de materia, por lo que no debemos hacer juicios generales.

No hay que pensar que sea imposible evaluar. Tenemos que dejarles claro a los niños que si se esfuerzan son capaces de conseguir un 10 y saber las competencias y objetivos que queremos alcanzar.

Tenemos que tener claros nuestros criterios de evaluación, adaptarlos a la realidad y estar en consonancia con el nivel de los alumnos. Además tenemos que priorizarlos.

Nuestros criterios deben ser flexibles. Por ejemplo en una clase podemos tener muchos tipos de culturas, por lo tanto tenemos que tener muchos criterios y cada uno de ellos distintos unos de otros. Por otra parte tenemos que alejarnos de nuestros gustos y no evaluar según nuestros gustos personales, esto sería un error. Por ejemplo mando a realizar un dibujo individual a la clase en el que represente lo que deseen. A mí me gusta la semana santa y un alumno me hace un paso de semana santa muy poco realista y otro me alumno me hace a su familia con los cuerpos bien proporcionados, yo debo mirar a la hora de evaluar la forma y no mis gustos.

Por otra parte me hago la pregunta siguiente ¿Qué evaluamos?

Evaluamos datos y hechos, es decir, si estamos calificando un dibujo tendremos en cuenta los colores, la composición etc. pero esto no nos sirve para nada, no nos es útil.

Evaluamos conceptos, es decir, tipos de colores, técnicas etc. Pero estos conceptos nos interesan para que a través  de ellos podamos comprender la obra.

Además evaluamos procedimientos. No solo evaluamos el resultado final de un dibujo sino el procedimiento que hemos utilizado para obtener el resultado final. Por ejemplo en un trabajo que hemos hecho en clase, representar nuestra cara con cartulinas. Es importante el resultado final pero también el ver como lo hemos hecho y que pasos hemos dado para hacerlo.

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Pasos para hacer un mapache.

Las actitudes es un elemento importante cuando evaluamos. Debemos darnos cuenta del interés, la perseverancia, el esfuerzo que tiene cada niño. No es lo mismo que un niño no preste atención y haga un dibujo feo que un niño que muestra interés e intenta hacer el dibujo y le salga también feo. Está claro que el niño que tiene interés va a obtener una mejor calificación. En EA además hay actitudes especiales que tenemos que tener en cuenta cuando evaluamos como la creatividad, la crítica que haga un niño hacia algo, las ganas que tenga de investigar etc.

Otro tema referido a la evaluación son  las formas que hay al evaluar:

Por un lado está la evaluación mediante instrumentos puntuales, es decir, todo aquello referido a los exámenes, cuestionarios, entrevistas etc. e instrumentos que recogen el proceso como el diario del profesor y del alumno. También es muy interesante la opción del portafolio.

Pensamos que la evaluación corresponde exclusivamente al docente pero esto no es así, ya que los alumnos no van a tener siempre un maestro al lado para que le diga lo que está bien y lo que está mal. El que el niño aprenda a evaluar es un aprendizaje muy importante y que le va a ayudar mucho. Estos tipos de evaluaciones son la autoevaluación, la evaluación conjunta, la evaluación en grupo y la triangulación.

Reflexión crítica sobre los criterios de evaluación:

El criterio de evaluación que voy a elegir es el criterio de evaluación del primer ciclo. Voy a hacer lo mejor que pueda la crítica a los criterios de evaluación que tienen el primer ciclo referido a la Educación Artística.

El primer criterio que recoge habla sobre describir cualidades y características de materiales. Este criterio me parce bueno a la hora de evaluar porque así desarrollamos la inteligencia del niño, pero por otra parte pienso que no es método muy adecuado ya que con este criterio no estamos enseñando al niño a usar materiales, le enseñamos para que sirve y que función tiene pero no le enseñamos a utilizarlo de forma práctica. Por todo esto es por lo que no vamos a mejorar la técnica del niño, sino el conocimiento del niño, que puede incluso que con el tiempo olvide todo lo aprendido. Sin embargo si le enseñamos el uso de materiales de forma práctica va a ser más difícil que el niño olvide las características y la función que tiene ese material.

El segundo criterio se refiere al uso de términos sencillos para comentar obras plásticas o musicales. Me parece un buen criterio de evaluación, porque con él los niños van asemejando palabras a aquello que ven o que escuchan y por lo tanto van enriqueciendo su vocabulario. Por otra parte creo que este método es muy pobre y resultaría bastante aburrido para los alumnos, porque su metodología trata de asignar términos a imágenes y a obras musicales, una actividad muy pesada para un niño de primer ciclo.

El tercer criterio de evaluación se refiere a representar el espacio de diferentes formas. Este criterio creo que es importante. Con él los niños van a ser capaces de tener no solo un punto de vista sobre algo, sino varios, algo que considero muy importante para que los niños se den cuenta de que las cosas pueden ser vistas por algunas personas de una forma, y por otras de otra forma totalmente distinta.

El cuarto criterio de evaluación que aparece en el primer ciclo tiene que ver con aprender a raíz de los dibujos que los niños hacen, en cuanto al uso de colores, texturas etc. Algo que me parece bueno porque así pueden ver que son capaces de hacer cosas por sí solos, por lo que van a ganar en confianza y van a ser más autónomos, además los niños aprenden las proporciones por ejemplo cuando dibujan un ser humano. Pero creo que este tipo de criterio tiene inconvenientes, ya que para mí un maestro no debe enseñar a dibujar en un primer ciclo de primaria, ni a usar los colores, texturas etc. sino intentar a través de los dibujos que los niños hagan (sean buenos o malos) conocer sus inquietudes, sus pensamientos para así poder detectar si tiene algún problema y solucionarlo. Pienso que a través del dibujo podemos saber muchas cosas de los niños porque los niños con esa edad dibujan sus preocupaciones más inmediatas y así podemos conseguir cosas que por ejemplo a través del lenguaje no podríamos.

El quinto y último criterio que señala la evaluación para el primer ciclo es el basado en la representación del mundo social, imaginario etc. a través de dibujos por parte, claro está, de los niños. Este criterio es muy interesante porque si a los niños les damos rienda suelta son capaces de hacer cosas asombrosas y así van a desarrollar la creatividad, muy importante en el futuro académico de los niños. El que un niño sea creativo le va a abrir numerosas puertas en la vida. Muchos pintores famosísimos a pesar de no ser grandes pintores, debido a su creatividad y a su forma de pintar han llegado a ser admirados por todo el mundo. Pero esto quizás, tanta creatividad e imaginación puede ser mala porque así el niño va a dejar a un lado la realidad. Por otra parte que representen la sociedad es muy importante también para nosotros tener claro las ideas que ellos tienen sobre las personas y sus distintos comportamientos, y si en algún caso están equivocados, esto permitirá al maestro corregirlo e intentar transmitir al alumno una nueva idea válida y convincente.

Conclusión:

 A partir de la realización de mi blog he aprendido montones de cosas, además de los contenidos recogidos en cada tema, me ha servido para tener más confianza en mi mismo.

Además he aprendido a reflexionar sobre todo tipo de cosas, y no solo quedarme en lo que dice un texto en concreto sino en buscar lo que hay tras ese texto, las ideas que quiere dar a luz.

Otro cosa que he aprendido es como hacer un blog y en realidad qué es un blog, porque antes de hacerlo no sabía lo que era y pienso que es una herramienta muy útil y que puede ayudarnos mucho.

Por otra parte el blog me ha resultado un poco pesado, porque había que meter en él mucho contenido y me ha resultado difícil argumentar el contenido y ponerlo con mis propias palabras.

En conclusión, aunque le he echado muchas horas frente al ordenador creo que me ha servido para mucho y me va a ayudar en el futuro el saber utilizarlo.

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TEMA 7

ESQUEMA CONCEPTUAL TEMA 7:

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TEMA 7

Este tema habla sobre los diferentes modelos que hay de Educación Artística.

Antes en las escuelas se utilizaba tan solo un modelo de Educación Artística porque se pensaba que era el único modelo que había pero esto no es así. Ahora voy a detallar los 4 modelos generales de EA que existen y mi opinión personal en cuanto a ellos:

Hay que tener muy claro que la EA en primaria no es ser un genio, hacer trabajos manuales, que pienso que está bien pero no lo considero EA y no deber ser una asignatura que sea “chupá” porque si es así los alumnos no van a echarle el tiempo que merece.

A partir de esto fuimos viendo los diferentes modelos de EA que existen y voy a ir dando opiniones personales sobre cada uno de ellos.

El primer modelo es el basado en el proceso y tiene como objetivo prioritario el que el niño aprenda a dibujar. Se trata de hacer algo bello.

Personalmente creo que este modelo tiene muchísimos más inconvenientes que ventajas, porque nosotros, los futuros docentes no podemos enseñar a los niños a dibujar bien, porque eso entra en las capacidades de cada niño y habrá un niño que haga mejor un dibujo que otro, mientras que otro destaque en matemáticas o cualquier otro tipo de materia.

La principal y pienso que una de las ventajas que tiene este modelo es que los niños van a aprender a usar materiales artísticos como los pinceles, los lápices de colores, rotuladores etc. o por otro lado que el niño a través de copias (se enseña a dibujar copiando) obtenga el proceso que sigue el dibujo para así en un futuro tener las ideas claras. En cuanto a los inconvenientes, que no son menos, vemos como tiene problemas y graves. Por un lado la inmensa mayoría de los dibujos, no se crean dibujando sino a través de las nuevas tecnologías como ordenadores, cámaras etc. pienso que estas tecnologías poco a poco deberían introducirse cada vez más en las aulas. Otros inconvenientes que tiene este modelo son que siempre no nos interesa buscar algo bello, a veces detrás de una obra de arte hay una crítica, una historia etc. o que hay múltiples formas de mirar las cosas.

Creo que este modelo no es malo si se usa con niños concretos, es decir, si vemos que en algunos de los niños existen grandes capacidades para el dibujo. Ahora sí, si se usa con toda la clase no es un modelo adecuado porque no todos van a disfrutar dibujando y van a obtener grandes resultados a la hora de hacer sus dibujos.

El segundo modelo se basa en la autoexpresión. En este modelo no importa ya mucho la estética sino la creatividad. Este modelo deja a los alumnos a que se expresen libremente, que pongan en el papel sus deseos más inmediatos, sus sentimientos etc. Este modelo también se basa en mitos como los de Van Gogh. El mito de Van Gogh es totalmente incierto, Van Gogh antes de hacer sus dibujos novedosos ya sabía dibujar y había pasado por numerosos maestros, él se hizo expresivo y un genio una vez que había aprendido a dibujar.

De este modelo surge el arte infantil, es decir, el arte espontáneo, el arte de los niños que se expresan con total libertad al margen de las indicaciones del maestro. Aunque no siempre el arte infantil es espontáneo.

Por lo que este modelo como podemos ver está basado totalmente en falsedades.

Personalmente creo que este modelo tiene un “disparate” enorme que es que si los niños actúan libremente y dibujan lo que le apetezcan entonces, ¿para qué sirve el profesor?

Aunque este modelo en contra con el otro creo que tiene muchas más ventajas que inconvenientes. Por ejemplo los niños aunque no lleguen a dibujar bien van a ir continuamente desarrollando su expresividad. Es muy importante también que aprendan a narrar sus propios dibujos pero para ello hay que conocer primero la personalidad del niño.

El tercer modelo es el basado en la percepción y el que actualmente estamos utilizando en la asignatura. Este modelo surge en nuestro país en los años 90.

Este modelo señala que las imágenes tienen un lenguaje y que los niños tienen que aprenderlo, tienen que saber leer las imágenes y no solo observarlas. También defiende que hay que educar a los niños para que consuman las imágenes.

Este modelo tiene grandes problemas. Hay autores que no piensan que las imágenes tengan un lenguaje visual, al analizar las imágenes se para mucho en la técnica y no profundiza sobre “lo que hay detrás”, algo esencial para comprender las imágenes es conocer su contexto, si no lo conocemos no nos va a decir nada. Por otro lado las actividades de este modelo suelen ser aburridísimas.

Por otro lado pienso que este modelo es muy difícil de implantar en la escuela, porque los maestros actuales son incapaces de dejar a un lado los métodos de la escuela tradicional, pero creo que si somos capaces entre la nueva generación de maestros de usar este método vamos a comprobar como paulatinamente vamos a obtener progresos y los niños van a ser más autónomos en todos los aspectos.

De este modelo podemos sacar también grandes ideas como el conocer los procesos técnicos de las imágenes en cuanto a composición, uso del color etc. o también conocer el uso de los elementos plásticos como el punto, la línea etc.

El cuarto y último modelo pienso que es muy importante. Este modelo está basado en la crítica hacia la CULTURA VISUAL, es el que hemos estado utilizando a lo largo del curso en la asignatura.

Este modelo cree que las imágenes deben estar relacionadas con los intereses de los niños, sea el interés que sea. No sólo deben ser observadas obras de arte ya que el 99% de las imágenes actualmente no son obras de arte.

Las imágenes según este modelo de EA no hay que leerlas tan solo comprenderlas. Para ello tenemos que averiguar cual es su contexto histórico, hacernos preguntas etc. El niño tiene que aprender a criticarla porque así va a tener su propio punto de vista y sus propias ideas.

Por otra parte el niño debe investigar su propia información, pero siempre su información debe ser a partir de una documentación seria.

Otra característica importante de este modelo es que como las imágenes influyen en las personas, en el niño, puede afectar a su pensamiento libre y a la crítica que haga sobre alguna imagen u obra en concreto, por lo que es importante conocer aquello que se esconde detrás de cada imagen.

Lo importante para este modelo no es aprender a dibujar, sino a través de cualquier procedimiento, imágenes, vídeos, actuaciones etc. narrar o contar algo.

¿Qué imagen es válida para llevar a cabo este modelo? Cualquier tipo de imagen, desde la foto más antigua hasta la foto más actual. Todas van a esconder algo tras su composición, todas tienen algo que nos va a sorprender.

Este modelo lo hemos usado en clase cuando hablábamos del performing, del imaginario, cuando analizamos una imagen para saber que ocultan, que muestran, que conviene a las personas del poder que salgan en ellas y no etc. Por lo que podemos comprobar que durante todo el curso hemos hecho a las imágenes una crítica profunda.

 

Mi reflexión sobre el modelo didáctico que tenemos en la actualidad es el siguiente:

Yo pienso que el modelo más utilizado es el modelo basado en el proceso, el que tiene como objetivo “aprender a dibujar”, aunque este modelo tenga numerosos problemas y sea el más antiguo. Este modelo pienso que es el que está más presente en las aulas de las escuelas de primaria actuales, aunque esto sea totalmente un error. Por otro lado pienso que en las universidades se utiliza un modelo totalmente distinto, el modelo basado en la comprensión crítica y performativa de la cultura visual. Este modelo es el que más se asemeja al que hemos usado durante todo el curso en Educación Artística, ya que hemos intentado sacar aquello que hay detrás de las imágenes, ver si esconden mensajes etc. que es lo que busca este modelo, que consumamos imágenes y que sepamos leerlas.

Mi modelo ideal y por lo tanto un modelo rico en todos los aspectos, sería un conjunto de los 4 modelos. Del primer modelo, el basado en el proceso,  me quedaría con lo que aprendemos cuando estamos dibujando, con el uso de los materiales, conocer los procesos que tienen los dibujos etc. Del modelo basado en la creatividad y la autoexpresión lo que me interesaría sería fomentar la creatividad del niño y por su autoexpresión. Del tercer modelo como ya he señalado me centraría en que el niño no sólo se quedase con las características de una imagen sino que investigue que hay detrás de cada imagen y que quiere contarnos el autor de esa imagen a través de la misma. Y por último del cuarto modelo, que por otra parte pienso que es el más indicado y el que puede ser más productivo en un aula. Este modelo sería el que utilizaría en el aula, además de lo que he nombrado arriba de cada modelo. Alternaría el último modelo con los elementos que pueden servirnos de los tres primeros.

En realidad el cuarto modelo es muy difícil llevarlo a cabo, no por ser complejo, sino porque los profesores que hemos tenido durante nuestra vida escolar han usado un método muy tradicional y actividades que no sirven de nada (círculo cromático, calcar dibujos etc.) muy lejos y algo que no se parece en nada al método que hemos utilizado durante el. Por lo que pienso que aunque nos cueste, tenemos que adaptarnos a éste último modelo.

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TEMA 6

Arcivo adjunto al tema 6: LOS 40 PRINCIPALES:

Autores:

Los 40 autores los voy a organizar según mis gustos:

Miguel Ángel [Caprese (Arezzo), 1475 – Roma, 1564]: A pesar de terminar muy pocas obras ya que se exigía él mismo mucho y quería llegar a la perfección en sus obras, Miguel ángel es mi artista favorito ya que fue un genio en todos los campos del arte, en arquitectura, y sobre todo en escultura y pintura. En cuanto a la escultura, realizó numerosas obras como la Virgen de la escalera, inspirado en representaciones de sarcófagos e influido por la técnica donatelliana del aplastado. Entre sus esculturas más importantes destacar su hermosa Piedad, que le encargaron para una tumba y su gigantesco David, esculpido en un bloque inmenso de mármol de Carrara. En el campo de la pintura, realizó tondos, destacando el Tondo Doni. Otra obra pictórica importante de este gran pintor es La batalla de Cáscina. Pero sin duda su gran obra maestra es la decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina, donde narra temas como la Creación y la Caída del hombre tal como figura en el Génesis o el Juicio Final.

Leonardo Da Vinci [Vinci (Florencia), 1452 – Amboise, 1519]: Se trata de un científico que aporta a la pintura el espíritu de la investigación. Su principal contribución fue la técnica del difuminado. Entre sus obras destaca, la Virgen de las Rocas, que posee una composición piramidal y su célebre difuminado. Pero sin duda su gran obra maestra es la Sagrada Cena. Tras esta obra inicia el retrato más célebre de su carrera y de la pintura universal: el busto de Monna Lisa o La Gioconda, situado sobre un paisaje de atmósfera vaporosa, este busto es silueteado y difuminado, otorgándole una expresión enigmática. 

Sandro Botticelli (Florencia, 1447 – 1510): Su pintura es mitológica y tiene un contenido moralizante. Entre sus obras destaca sin duda, dos: La Primavera, que simboliza el amor y el  Nacimiento de Venus, que simboliza la belleza. Otra obra también importante de este pintor italiano es Palas domando al centauro.

Policleto: Se trata de un escultor griego que representa en sus obras a atletas en bronce. Sus obras más conocidas son el Doríforo(440 a.C.), fundido en bronce, que se trata de un joven en actitud de avanzar y que porta una lanza y el Diadúmeno(430 a.C.) que se trata ya de una figura viril más rica en cuanto a la iconografía. Esta figura se ciñe la cinta de los campeones atléticos.

Lorenzo Ghiberti (Florencia, 1378 – 1455): Fue un orfebre medieval que entusiasmaba al público con su impecable factura y su ritmo gótico. Entre sus obras destaca las Segundas puertas del Baptisterio de Florencia, que fragmentó en veintiocho tréboles de cuatro  hojas desarrollando en ellas veinte escenas del nuevo testamento y ocho imágenes de evangelistas. Tras esta obra se la va a encargar las Terceras puertas, donde opta por diez espacios cuadrados, representando en ellos escenas del antiguo testamento.   

Gian Lorenzo Bernini: Este escultor italiano es considerado el Miguel Ángel del Siglo XVII. En su etapa juvenil va a realizar sobre todo esculturas con temas mitológicos y bíblicos, de entre ellas destaca, su célebre David. Más tarde va a iniciar la época llamada alto barroco, que se caracteriza por la importancia conferida al ropaje, destacando de esta época su obra maestra, San Longinos. Tras esta etapa se desarrolla el periodo medio, el más creativo de su carrera, destacando de este periodo el Éxtasis de Santa Teresa.

Pedro Pablo Rubens [Siegen(Alemania), 1577 – Amberes 1640]: Se trata de un pintor con un cerebro prodigioso para desenmarañar los problemas compositivos, y fue un mago del color. Entre sus obras destaca El triunfo de la Eucaristía, conjunto de veinte tapices, el Retrato ecuestre del duque de Lerma y sin duda su obra más especial y realizada en su etapa final es la esplendorosa tabla de Las tres Gracias.

Rembrandt (Leyden, 1606 – Ámsterdam, 1669): Este pintor holandés envuelve sus figuras en penumbras graduadas, misteriosas y doradas. Entre sus retratos colectivos destaca La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp, para rememorar una clase magistral impartida por éste célebre médico, que es captado en el momento de desprender con la pinza un haz muscular del brazo del cadáver ante la mirada atenta de los asistentes. Más tarde va a pintar para la Guardia Cívica, la Ronde de noche. Otra gran obra de este pintor es el cuadro titulado Los síndicos de los pañeros, sorprendidos por el pintor en una junta económica de balance positivo.

Juan Martínez Montañés [Alcalá la Real (Jaén), 1568 – Sevilla 1649]: Se trata del imaginero español que gozó de mayor fama y para muchos el mejor de todos los tiempos. Como retablista se muestra partidario de las estructuras arquitectónicas claras, decoradas con ángeles y elementos vegetales. Entre sus retablos destacan el de San Isidoro del Campo, en Santiponce o el de San Miguel, en Jerez de la Frontera. En el campo de la escultura definió los modelos del Niño Jesús y de la Inmaculada, del primer modelo destaca el Niño Jesús del Sagrario sevillano, su éxito mas glamuroso. Del segundo modelo destaca la Inmaculada, llamada “la Cieguecita”, denominada así por tener la mirada baja y los ojos entornados.

Bartolomé Esteban Murillo (Sevilla, 1617 – 1682): Su fama la consiguió gracias a sus creaciones iconográficas: la belleza de sus purísimas, la ternura de sus Niños Jesús y la delicadeza de sus Maternidades. El estilo de Murillo se puede dividir en tres periodos: frío, cálido y vaporoso. En el periodo frío destaca la Sagrada  Familia del pajarito, del periodo cálido destaca el San Antonio y del periodo vaporoso San Francisco abrazado al Crucificado. Otras grandes obras de este pintor son la Inmaculada, vestida de celeste y blanco, con un trono de ángeles a los pies y sus representaciones infantiles como El Buen Pastor o Muchachos comiendo empanada.

Auguste Rodin (París, 1840 – Meudon, 1917): Este grandísimo escultor centró su atención en la naturaleza y abandonó intencionadamente el acabado perfecto de la obra. Su trabajo más ambicioso fue Las puertas del Infierno. Otra obra muy conocida de este gran escultor se trata de El pensador. Además de esto señalar también otras obras memorables como Los Burgueses de Calais, El beso y el doble retrato psicológico de Balzac, en busto y de pie.

Vincent Van Gogh [ Groot Zundert (Holanda), 1853 – Auvers (Francia), 1890]: Es el artista del Siglo XIX que mayor entusiasmo provoca en nuestra sociedad. Fue un prodigio de potencia y fertilidad creadora. En Los comedores de patatas, cultiva una temática social, a base de tonos oscuros y grises. Su estilo se define por el color como gran motor de la emoción. Pinta entonces noches estrelladas, campos de trigales, olivos, cipreses, almendros, girasoles y lirios. Además representa escenas de interior, entre las que no falta su propia habitación, y culmina su obra con una serie de 43 autorretratos, en los que ensayaba pigmentos y técnicas tomando como referencia su rostro, cada vez más degradado.

Pablo Ruiz Picasso [Málaga, 1881 – Mougins (Francia), 1973]: En este pintor se puede diferenciar varios periodos: el periodo azul, donde expresa una humanidad de tipos escuálidos, infelices y dolientes en su trágica condición existencial. Poco a poco va aclarando su paleta iniciando el periodo rosa, en el que da vida a una tierna iconografía de personajes de circo y teatrillos ambulante. Entre sus obras destacan Los tres músicos o Naturaleza muerta con asiento de rejilla, pero sin duda su obra más espectacular se trata del Guernica, que le encarga la República española para decorar su pabellón en la Exposición Universal de París.

Praxíteles: Sus obras están llenas de temas agradables, de encanto y están tratadas con mucha suavidad. Su obra maestra data del año 360 a.C. Es la sensual Afrodita saliendo del baño, que se trata del primer desnudo femenino del arte griego. El único original que se conserva de Praxíteles es Hermes con el niño Dionisos en brazos.

Escopas: Se trata de un escultor que resalta la pasión. Nace hacia el 380 a. C. Desarrolla toda su obra en mármol. Representa a héroes trágicos, como Meleagro. Otra obra conocida de este escultor griego es Ménade furiosa, retratada en plena orgía, con un cabrito muerto sobre los hombros.

Rafael Sanzio (Urbino, 1483 – Roma, 1520): Dueño de un lenguaje comprensible, sereno y armónico. Se le encarga la decoración de cuatro habitaciones, las Estancias Vaticanas, donde pinta en una de ellas La escuela de Atenas, donde describe el triunfo de la Filosofía antigua. Otra obra importante de Rafael, es Hechos de los Apóstoles donde refleja, al igual que en toda su obra, la perfección de una sociedad que cree haber alcanzado su equilibrio.

Tiziano (Piove de Cadore, 1490 – Venecia 1576): Envuelve sus obras en tonalidades calientes, cortadas por azules y blancos intensos. Su gran obra maestra, es la Asunción de la Virgen, donde dota a las figuras de un clasicismo colosal, fragmentando la composición en tres pisos y envolviendo a María en una nube dorada. Otra obra importante de este pintor de la escuela veneciana es el retrato ecuestre de Carlos V vencedor en Mühlberg, donde representa el mito del poder.

Francisco de Goya [Fuendetodos (Zaragoza), 1746 – Burdeos (Francia), 1828]: Cultivó el Neoclasicismo y el Romanticismo. A Goya le va a aupar fama sus retratos, tanto colectivos como individuales, como la Familia de Carlos IV y la Maja Vestida y desnuda, retratando en ambos a la joven viuda Cayetana. Una de sus obras más famosas son Los fusilamientos de la Moncloa, que ilustra la represión francesa a los patriotas, el horrible sacrificio de víctimas inocentes ante el pelotón de ejecución.

Claude Monet (París, 1840 – Giverny, 1926): Fue un pintor fundamentalmente paisajista y siempre fue fiel a su movimiento, el impresionismo. Una creación de este pintor es el serialismo: varias reproducciones de un mismo tema para comprobar los efectos cambiantes de la luz y del color en horas y estaciones diferentes. Sus series más conocidas son las referidas a la Fachada de la catedral de Ruán y las doce pinturas de nenúfares sobre el agua, tituladas Ninfeas, donde las formas están disueltas en charcos de color. Otra obra importante de este pintor impresionista se trata de Las amapolas.

Simone Martini (Siena, 1284 – Aviñón 1344): Este pintor de la escuela sienesa produjo un arte preciosista. Este pintor realizó el primer retrato ecuestre del arte italiano, la imagen de condotiero Guidoriccio da Flogiano, pero su obra cumbre fue el retablo de La Anunciación, donde funde el fondo de oro bizantino con la línea ondulante del gótico francés.

Giotto (Colle di Vespignano, 1267 – Florencia, 1337): Crea un lenguaje pictórico moderno, en el que triunfa el volumen y la realidad del paisaje. Este lenguaje pictórico se aprecia en las Historias Franciscanas de la basílica de Asís (28 frescos que pinta en 1298). Otra obra importante de Giotto es el fresco de San Francisco predicando a los pajaros.

José Ribera [ Xátiva (Valencia), 1591 – Nápoles, 1652]: El estilo de este pintor varía desde el naturalismo tenebrista hacia posiciones propias donde va a utilizar mucho el color y la luz. Entre sus obras señalar La mujer barbuda, que se trata del retrato de Magdalena Ventura a quién de improviso le creció la barba, está acompañada de su hijo al que amamanta y de su esposo. En su etapa más colorista destaca su Inmaculada.

Francisco de Zurbarán [Fuente de Cantos (Badajoz), 1598 – Madrid, 1664]: Su estilo se movió siempre dentro del naturalismo tenebrista, con figuras muy plásticas de contorno dibujado y sombras robustas. Sus obras más destacadas son Apoteosis de Santo Tomás de Aquino. Otra gran obra de este pintor es el deslumbrante conjunto de la Capilla de San Jerónimo y los ocho lienzos Venerables jerónimos, que tapizan las paredes de su suntuosa Sacristía.

Roger van der Weyden( Tournai, 1399 – Bruselas, 1464): Fue el maestro más prestigioso de Flandes en el Siglo XV. Este pintor belga se especializó en dos temas dolorosos: la Quinta Angustia, donde representa el desmayo de María durante el descendimiento de Cristo y la Piedad, donde plasma el dolor de una madre que abraza a su hijo yacente.

Jeroen van Aken, El Bosco [Hertogenbosch (Holanda), 1453 – 1516]: Este pintor flamenco utiliza una técnica miniaturista y un lenguaje simbólico, que a los ojos actuales parece enigmático, pero que en su época era de fácil interpretación. Dos grandes obras de este pintor son el Jardín de las delicias y el Carro del heno, dos trípticos que resumen la filosofía moral del Bosco.

Alonso Berruguete [Paredes Nava(Palencia), 1489 – Toledo, 1561]: Se le considera la persona más hábil y experta en el arte de la escultura en España. Entre sus obras destaca la Transfiguración de Cristo o el Sepulcro del Cardenal Tavera, realizado en mármol de carrara.

Juan de Juni [Joigny (Francia), 1507 – Valladolid, 1577]: A éste escultor le hizo célebre sus composiciones iconográficas y sus pesadas figuras. Entre sus obras destaca el Entierro de Cristo, donde representa un drama teatral, donde la Virgen, San Juan, Las Marías y los Santos Varones, proceden al embalsamiento de Jesús que yace sobre el féretro. Las aportaciones de Juni se extienden también al campo del retablo. En 1545 contrata el de la parroquia de Santa María de la antigua donde renuncia a la tradición plateresca.

Fidias (Atenas, 490 – Olimpia, 430 a. C.): fue el primer imaginero del arte clásico occidental. Entre sus obras destacan las tres imágenes de Atenea y el monumental Zeus. Ninguna se conserva y son conocidas por copias realizadas posteriormente.

Lisipo: Nace en el Peloponeso. Fue broncista. Su obra más importante es el Apoxyómeno, atleta desnudo que se limpia el linimento con el estrígilo. La mayoría de sus obras se conocen por copias romanas, como el Hércules Farnesio, lleno de fuerza y de un gran realismo.

Donatello (Florencia 1386 – 1468): Fue el escultor más influyente del Siglo XV. En él se pueden distinguir tres épocas: una fase inicial de adolescencia y de madurez en Florencia; su estancia en Padua; y el posterior regreso a Florencia donde desarrolla un arte expresivo y nervioso. Entre sus obras destaca, entre otras, el San Jorge, lleno de vitalidad y originalidad, el Sepulcro del cardenal Rainaldo Brancacci o la estatua ecuestre del caudillo Erasmo de Narni, “el Gattamelata”, donde resucita el modelo romano del emperador Marco Aurelio a caballo.

Juan de Mesa (Córdoba, 1583 – Sevilla, 1627): Este imaginero andaluz, introduce el naturalismo en los ambientes clásicos donde se formó. Entre sus crucificados destaca el Cristo de la Agonía, se trata de un Cristo de grandes contrastes, entre la vida y la muerte. Por otra parte su imagen más respetada y famosa es el imponente Jesús del Gran Poder, un corpulento nazareno con la cruz al hombro, captado en el momento de dar una potente zancada. Entre sus vírgenes destaca  Nuestra Señora de las Angustias.

Alonso Cano (Granada, 1601 – 1667): Fue arquitecto, pintor, escultor, dibujante excepcional, diseñador de retablos, sillerías etc. Alonso Cano realizó numerosas obras escultóricas entre las que destacan el Niño Jesús de Pasión, que representa a un nazarenito camino del calvario con la cruz a cuestas. Pero serán las figuras de pequeño formato las que le van a dar fama, como la dulce Inmaculada o el San Antonio de Padua con el Niño Jesús, lleno de serenidad y gracia.

 Beato Angelico [Vicchio nel Mugello (Florencia), 1400 – Roma, 1455] : Sus obras son herederas del gótico. Utiliza colores rutilantes y fondos dorados. Entre sus obras podemos señalar, el retablo de La Anunciación o La Coronación de la Virgen.

Masaccio [San Giovanni Valdarno (Arezzo), 1401 – Roma, 1428]: Este pintor impresiona por su precocidad. Pese a su corta carrera, muere a los 27 años, es el fundador de la pintura moderna. Técnicamente, es el primer artista que construye con el color  y se preocupa por el volumen y la tridimensionalidad. Entre sus obras destaca los frescos de la Capilla Brancacci, donde representa El tributo de la moneda, que fragmenta en tres escenas yuxtapuestas o La Trinidad donde representa el Calvario, el Padre Eterno, ambos cubiertos con una bóveda acasetonada, dando sensación de profundidad y debajo pinta una falsa mesa de altar con un esqueleto.

Piero della Francesca [Borgo San Sepolcro (Arezzo), 1420 – 1492]: Este pintor combina la luz y el color en la construcción del volumen. Piero pinta en la Basílica de San Francisco, la Historia de la Vera Cruz, que consta de diez episodios extraídos de la leyenda dorada. Otra gran obra de este pintor es su Virgen de Senigallia.

El Greco [Candia (Creta), 1541 – Toledo, 1614]: Actualmente este pintor sigue teniendo fama debido a la arrogancia con que defendió sus pinturas en ambientes hostiles a la independencia liberal del arte y al inconfundible sello de su estilo. Entre sus obras destaca el Expolio de Cristo, que destaca por su estallido cromático, donde destaca sin duda el fuerte rojo de la túnica de Jesús y su reflejo proyectado en la coraza de Longinos o el  entierro del Señor de Orgaz, donde una piadosa leyenda inspira la temática del cuadro. San Agustín y San Esteban bajan del cielo para sepultar el cadáver de Orgaz.

Michelangelo Merisi “Il Caravaggio” (Milán, 1571 – Nápoles, 1610): Se trata del creador del naturalismo y del tenebrismo pictórico. Además inventa el bodegón. Su etapa inicial se caracteriza por cuadros pequeños, demedias figuras, destacando su obra, Baco. Tras esta etapa se va a iniciar su estilo maduro, en el que funde su naturalismo con su visión revolucionaria de la luz,  destacando de esta etapa la vocación de San Mateo. La etapa final coincide con su exilio, pintando cuadros religiosos para las iglesias, destacando las siete obras de misericordia de esta etapa.

Gregorio Fernández [Sarriá (Lugo), 1576 – Valladolid, 1636]: Es el maestro indiscutible del barroco. En él se distinguen dos etapas: una fase manierista y un periodo de madurez, donde afianza el naturalismo. Sus obras son de bulto redondo y va a crear un tipo iconográfico la Virgen de la Piedad. Obras como el Flagelado, atado a una columna baja y troncocónica, y el Yacente, que reclina la cabeza encima de una almohada y reposa extendido sobre la sábana, le reportan mucha fama. Entre sus pasos procesionales destaca el del Descendimiento, que consta de siete figuras y cuyo tema es el descendimiento de Cristo de la cruz.

Antonio Canova [Possagno, 1757 – Venecia, 1822]: Se trata del mayor escultor del movimiento neoclásico. Entre sus obras destaca Paulina Bonaparte Borghese, recostada semidesnuda sobre un diván y efigiada como Venus victoriosa, al haber sido elegida recientemente reina de la belleza. Otra gran obra de este autor son Las tres Gracias.

 

 ESQUEMA CONCEPTUAL TEMA 6:

PINCHA AQUÍ PARA VER EL ESQUEMA CONCEPTUAL DEL TEMA 6.

 

TEMA 6

Este tema comienza hablando de cómo las imágenes se encuentran integradas en todos los aspectos  del ser humano, para mí personalmente las imágenes, es un factor actualmente imprescindible para nuestra sociedad porque a través de ellas podemos saber cualquier tipo de cosa y estar informado de todo aquello que está pasando. Las imágenes son el resultado de  interacciones, en la que encontramos infinidades de cosas, se trata de una cosa única.

Con la afirmación de que las imágenes nos influyen se está demostrando la importancia que tienen las imágenes en nuestras vidas, hasta el punto de que son capaces de formarnos como personas, de formar nuestra ideología, nuestras creencias, e incluso nuestra forma de ver las cosas. Un elemento clave es la televisión.

influencia tv

niño TV

Para mí las imágenes es la que al final nos pone en un determinado sitio y es importante saber en que sitio estamos para no ser un “don nadie” en la vida.

Cuando nos enfrentamos cara a cara con una imagen tenemos primero que contemplarla y después no sólo sacar las características principales que tiene o señalar lo más llamativo, sino intentar saber qué es, qué hay detrás de esa imagen y por qué esa imagen es así y no es de otra manera. De esta forma podemos comprobar como las imágenes son capaces de construir nuestra propia identidad. Por lo que buscarle características a una imagen no está mal, es más, nos ayuda, pero no nos va a transmitir absolutamente nada.

Las imágenes que vemos constantemente, las que nos rodean, no son muy fiables debido a que hay personas, las personas que tienen el poder, que están detrás de ellas y que son las que en realidad forman nuestra persona y modifican nuestros pensamientos ya que son ellos los que eligen aquello que quieren que veamos y aquello que no. Cada cadena de televisión, cada cadena de radio, páginas de internet etc. todas tienen su ideología, algunas son más de derecha y otros más de izquierda. Eso sí, la información dada en ellos no va a ser escandalosa por conveniencia. Tenemos que ver los discursos de poder que hay detrás de las obras, el discurso del arte es un discurso de poder.

El arte además tiene más canales: la escuela, los museos, internet, galerías, la acción de los políticos etc.

Por lo tanto cuando estoy viendo algo voy a ver:

Su canal, es decir, quién está detrás del canal, el tipo de imagen que es, su función y si esa imagen me influye en mí y en los demás, es decir si nos va a formar como personas (ideología, creencias etc.)

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Un apartado interesante es el averiguar el mensaje que nos transmiten las imágenes. Muchas imágenes esconden tras ellas, mensajes subliminales.

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Además según el mensaje de la imagen se representará con mayor o menor grado de abstracción. Por ejemplo una imagen que representa un WC es mejor que no sea real debido a su contenido, mientras que si hablamos de una imagen de Cristo es mejor que sea real, para así poder rezar.

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Otro tema que considero importante  y que se toca en este tema es como las escuelas tiene explicaciones correctas para todo, algo que considero un error, porque una cosa puede ser interpretada de varias maneras y todas estas interpretaciones pueden ser correctas. Esto se puede ver en las diferentes culturas que existen en el mundo, por ejemplo, en algunas culturas el casarse con varias mujeres no está mal visto, sin embargo en nuestra cultura por ejemplo es considerado como un delito. Esto nos hace ver que las cosas pueden interpretarse de diferentes maneras.

Podemos trabajar con varias interpretaciones posibles, lo único importante es que estén argumentadas. Hay muchas interpretaciones y muy diferentes, por ejemplo una persona negra de EEUU viene a España en semana santa y ve un nazareno y le entra miedo debido a que los miembros del cucus clan son muy parecidos, mientras que una persona española está acostumbrada a esto.

Por otra parte pienso que la escuela no debería centrarse tan sólo en tener una definición de algo como correcta sino que debería ser una institución más abierta y ver las diferentes definiciones que puede tener algo en concreto. No tenemos porqué guiarnos por el currículo, los niños deben elegir por sí mismos los temas que quieran y nosotros conectarlas con la realidad. Es más podemos incluso coger un libro de texto para ver por ejemplo las mentiras que hay en él.

A la hora de enseñarle arte a un niño, tenemos que enseñarles a admirar el arte y así jamás va a cuestionar el arte.

El arte al ser muy variado, es una materia mal estructurada que no sigue ningún patrón (las matemáticas por ejemplo es una materia exacta, porque siempre es lo mismo, por lo que es una materia mal estructurada). Lo que para algunos es una obra de arte, para otros no tiene nada que ver con el arte. Esto se está dando mucho actualmente debido a las nuevas vanguardias y a las nuevas concepciones de arte.

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Esta foto por ejemplo fue sacada de una exposición de arte modernista. Para algunas personas esta “escultura” es arte, pero la gran mayoría piensa que no hay que ser un gran artista para realizar esta obra y es una obra que personalmente no transmite nada.

De ahí a que el arte sea un conocimiento mal estructurado o de estructura compleja, ya que alrededor del arte circulan numerosas ideas y todas ellas diferentes. Por todo esto es muy importante el estudio de casos, es decir, tú no coges todas las obras de arte  para estudiarlas, sino que seleccionas algunas y las estudias.

Tanto el conocimiento como la realidad son muy complejos. Por ejemplo un ser humano tiene cerebro, pero yo no lo conozco psicológicamente, tiene anatomía pero no la conozco, le puede gustar cualquier tipo de fiesta, semana sata, el rocío etc. pero necesito saber que es esa fiesta y de que trata esa fiesta en concreto. Necesito saber la historia del ser humano y estas características que me dan del ser humano casi ninguna me las da la ciencia. El niño debe tener información muy variada y debe utilizar varias fuentes.

Para tener un conocimiento complejo es fundamental tener:

Flexibilidad: No me importa la obra en sí, sino el aprendizaje que obtengo a través de ella.

Integración del conocimiento: En las artes vemos que todo está conectado y eso es muy bueno. Hay que relacionar las artes con el mundo que quieren ver los alumnos.

Imaginación: Por ejemplo Newton cuando se le cae la manzana a la cabeza, se pregunta el ¿por qué? Mientras que a otra persona ese hecho le sería indiferente, pero Newton fue creativo y a raíz de ese hecho creó la Ley de la gravedad. Por lo que en la escuela hay que ser creativos, crear cosas nuevas, tener imaginación, que se trata de una herramienta fundamental del ser humano.

Estética: Los seres humanos son los únicos que quieren transformar el mundo en algo estético, en algo que nos produzca placer, por lo que es importante trabajar con la estética aprendiendo a disfrutarla y criticarla.

Las circunstancias que se dan en un hecho,es otro de los elementos que cambian la forma de ver las cosas. Por ejemplo, antes de que se inventara la luz, el concepto de día-noche debía ser totalmente diferente que el concepto que tenemos hoy en día, por lo que las circunstancias también influyen.

 Apartando este tema del conocimiento complejo, quiero señalar que antiguamente los artistas creaban su propio arte y si alguien les criticaba sus obras los ponía como ignorantes. Antes los grandes artistas estaban revestidos con el mito del genio, es decir, que hay personas especiales que son auténticamente genios porque la naturaleza los ha hecho así y por lo tanto, al ser genios, estaban por encima de todos. También antiguamente los artistas eran como una especia de “ciervos”, por ejemplo, Miguel Ángel fue llamado por el papa para que pintara la capilla Sixtina con una temática religiosa, pero a partir del Siglo XIX, el pintor pasa a ser un profesional libre y va a pintar aquello que le apetezca.

 

Propuesta Didáctica:

Mi propuesta didáctica va a ir dirigida al tercer ciclo de primaria, ya que se trata de temas difíciles de comprender y los alumnos de 5º y de 6º de primaria estarán más capacitados que los demás alumnos.

Antes de empezar a organizar contenidos, actividades, objetivos etc. haría unas preguntas a los niños para ver qué saben sobre por ejemplo lo que saben de aquello que sale en la televisión, si saben si la televisión tienen ideologías o no, si piensan que hay machismo en la publicidad y así muchas mas preguntas para saber que ideas tienen sobre el tema que vamos a tratar.

Contenidos:

Las imágenes y todo lo que nos influye de ellas, si son capaces de ver si detrás de ellas se esconden  mensajes subliminales, abstracciones etc. todo aquello relacionado con el conocimiento complejo.

Actividades:

Analizar una imagen. (Profundizar en ella)

Redacción sobre si creen que a ellos le influyen alguna imagen o si desde pequeños le han influido alguna imagen en concreto.

Objetivos:

Mi objetivo prioritario sería el conseguir que los niños al ver una imagen u obra de arte no sólo se queden con las características principales, es decir, todo aquello relacionado con la forma, el color, la estética de la imagen etc. sino que profundicen en la imagen y que se hagan  preguntas como ¿qué función tiene la imagen?, ¿por qué es así la imagen y no de otra forma?, ¿quién está detrás de la imagen y porqué quiere enseñar eso y no otra cosa? Para contestar a estas preguntas facilitaría a los niños el contexto histórico de la propia imagen u obra de arte.

Metodología:

A través de un proyector  y un ordenador portátil enseñar una imagen e ir junto con los niños desmenuzándola.

Recursos:

Como he señalado en la metodología, usaría un proyector y un ordenador portátil.

Imágenes de todo tipo (obras de arte, imágenes publicitarias).

Folios y lápices.

Todos los materiales los aportaría el maestro con ayuda del colegio.

Evaluación:

Finalmente evaluaría a los niños viendo si han participado en el análisis de las imágenes y si han sido capaces de sacar temas de ellas que parecían imposibles sacarlos, y según la calidad de la redacción.

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Articulo: Miradas y patrimonio.

Este artículo empieza hablando del patrimonio, poniendo de ejemplo, a la ciudad de Venecia.

El autor, José Pedro Aznárez López, visita esta ciudad, llevando en su imaginación una idea de Venecia pero al llegar a la ciudad te das cuenta de que esa idea contrasta con la que tenías. La ciudad de Venecia tiene numerosas interpretaciones, por lo que la realidad es muy compleja.

Tras esta introducción hablamos sobre 6 posibles variables al patrimonio en cuanto a obras:

Las obras son poliédricas, es decir, que tienes diferentes caras y todas tienen sentido, porque no solo hay un punto de vista sino muchos. Esto personalmente me enseñó y me va a ayudar en un futro en mi trabajo porque tenemos que enseñar a los niños a que tengan su propia opinión sobre las cosas y tenemos que obligarlos a que ellos mismos busquen muchas caras a todas las cosas. Antiguamente la escuela se limitaba a simplificar las cosas y ahora se enseña a reflexionar, a pensar, y por eso nosotros tenemos que seguir con la dinámica actual.

Las obras son sociales, tengo que comprender de qué sociedad proviene la obra. Las interpretaciones de una obra son exclusivamente culturales. Dentro de cada cultura las obran van a tener distintas miradas. Esto también nos ayuda en la escuela porque en ella también se dan interacciones sociales diversas, por lo que no hay una interpretación correcta.

El sentido de las obras va cambiando conforme pasa el tiempo, por ejemplo, el David  de Miguel Ángel que ha tenido numerosos sentidos. Antes se consideraba una representación religiosa, más tarde se convirtió en el poder de Florencia, poco después pasó a ser el símbolo de la perfección humana y actualmente se le considera el referente del arte de toda Europa.

El valor de las obras es inestable: ¿por qué?, porque las obras son instrumentos de poder y por lo tanto su relato canónico varía.

Las obras son mediadoras,  están muy vivas y influyen en nuestra visión. Además amplían nuestra visión aunque no siempre de buena manera, por ejemplo, el cine porno,  amplía nuestra realidad de forma negativa.

Las obras la aprendemos en un segundo, por ejemplo, con dos imágenes se puede explicar cómo se practica sexo y difícilmente se te va a olvidar.

Para ver una imagen tenemos que evitar el relato de los expertos porque son totalmente subjetivos, en una escuela se debe evitar el relato único, debe haber como ya he apuntado, muchas interpretaciones y que éstas tengan sentido para los alumnos. Debemos enseñar a los alumnos a interrogar a las imágenes para que salgan de ellas preguntas, para posibilitar conocimientos, por lo que las imágenes son motores de aprendizaje.

Cuando nos enfrentamos al patrimonio, hay que interrogarlo. Debe haber varias interpretaciones, y además de nuestro relato hay que conseguir que los niños investiguen.

 

 

 

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Tema 3:Técnicas, medios y materiales de creación plástica.

En lo que se refiere a las técnicas, decir que hay una gran variedad (tridimensionales, bidimensionales, derivadas de la fotografía, infográficas…) Ninguna técnica es mejor que otra, todas son buenas y totalmente distintas unas de otras y lo que realmente importa es el resultado final de la técnica.

A mí personalmente me gustan las técnicas tridimensionales, sobre todo la talla, por su dificultad y por cómo pueden sacar los grandes artistas de la madera, del mármol o de otras superficies verdaderas obras de arte.

david

En cuanto al volumen o a la tridimensionalidad, decir que a través de él se puede sustraer, añadir, deformar, transformar…es una técnica que da muchas posibilidades.

La talla puede ser de dos tipos: directa, es decir, se va extrayendo directamente del material a utilizar o indirecta, es decir, antes de tallar, modela la figura en barro y el modelo a copiar suele ser de menor tamaño. Además la talla puede ser de un bloque, monolítica o de varios bloques, ensamblada. Hay varios procesos de construcción como el ensamblaje que se trata de pegar trozos que ya existen, el encofrado, es decir, moldear maderas, planchas…y luego rellenar con hormigón, y ya una vez que el hormigón esté duro se retiran las maderas o las planchas o la soldadura, que pueden hacerse mediante gas o eléctricamente.

encofradoensamblajesoldadura

A la hora de tallar, de sustraer, de quitar, puedo señalar numerosos materiales como la madera, el marfil, la piedra, el poliespan etc.

Dentro del campo de la adición, sobresale el modelado, decir que se pueden utilizar varios elementos a la hora de modelar como la del barro, la cera o el yeso, entre otras.

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Yo personalmente he trabajado con barro y he realizado jarrones con este material, y empleaba la técnica de los cilindros o churros, colocando unos encimas de otros alrededor de un bol y después lo moldeábamos con los palillos de modelar. Después le dábamos la forma que nosotros queríamos y se cocían una vez terminados en un horno.

En el campo de la deformación, es decir de golpear, de doblar el material original, decir que se utilizan varios procesos como la orfebrería, la forja o el soplado del vidrio, una técnica muy interesante, dando forma al vidrio cuando está caliente.

orfebreria-en-plata

En cuanto a la transformación, es decir, convertir un material en otra cosa distinta, señalar técnicas como el vaciado, hacer un molde y sacar un vaciado con el molde, con materiales como el barro, el yeso, la escayola etc. o la fundición, usando normalmente el bronce para el empleo de esta técnica.

vaciado

 

 

Tras estas técnicas tridimensionales, voy a hablar sobre las técnicas bidimensionales.

Hay numerosísimas técnicas a la hora de pintar bidimensionalmente. De ella voy a destacar las más interesantes y las que he empleado en alguna ocasión.

Por ejemplo el carboncillo, un material frágil pero que te puede dar resultados increíbles. Además esta técnica es fácil de utilizar, y si te equivocas es fácil de borrar y rectificar.

carboncillo

En cuanto al lápiz de grafito y a los de colores decir que son materiales de fácil uso y que también pueden darnos increíbles resultados. Ésta técnica es fácil de utilizar y al igual que el carboncillo a la hora de rectificar, puede hacerse bastante bien.

 En cuanto a la tinta china, personalmente es una técnica muy difícil para usarla, porque es difícil corregir una pincelada una vez usada y si te pasas de poner negro a la hora de dar las sombras no puedes corregirlo.

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Los pasteles y las ceras son técnicas muy bonitas para mí. Son materiales que dan muchas posibilidades, mezclando los colores, superponiéndolos, se pueden dar diferentes texturas etc. Por lo que el uso del pastel y de la cera puede dar también grandes resultados.

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Las aguadas y las acuarelas, son técnicas muy significativas ya que usan el agua para dar los efectos. Mientras más agua más claro será el color a emplear y mientras menos agua más oscuro,

Por su parte el óleo es la técnica que más realismo puede dar a la hora de hacer un dibujo, eso sí es una técnica de mucha complejidad y que pueden ser usadas de forma correcta y con grandes resultados, sólo por los artistas.

oleo

El temple es una técnica también compleja. Se pueden usar varios aglutinantes, a la cola, al huevo, a la caseína etc.

temple

Por último los frescos: se pinta sobre un mortero de cal y arena, sólo con pigmentos minerales solubles en agua.  

frescos

Para el empleo de estas técnicas bidimensionales, podemos utilizar infinidad de instrumentos.

 

Otras técnicas, menos usuales, son las técnicas de mosaico, como el collage o el propio mosaico.

El collage se trata de hacer una composición a través de infinidad de materiales, papeles, teselas, chapas etc. Esta técnica da mucha libertad, al poder utilizar muchos materiales para la realización de los collages.

collage

En cuanto al mosaico, también tiene muchos materiales a la hora de realizarlos, como la piedra, la madera, el vidrio etc.

mosaico

Otras técnicas también conocidas son las vidrieras y  los tejidos. Las vidrieras se realizan a través de cristales de colores con resultados realmente increíbles. Antes se utilizaban en las catedrales góticas, en los rosetones.

vidriera

Otras técnicas ya más recientes, debido a que la fotografía apareció no hace mucho, son las derivadas de la fotografía (como los negativos de las películas fotográficas)  y las infográficas. Además aparecieron también las artes digitales, con el boom de los ordenadores, capaces de simular lo real, hasta el punto que es difícil identificar la imagen real de la digital.

arte-digital

Unas técnicas bastante curiosas y “raras” son aquellas que no se basan en representar imágenes, como el Performance, es decir, el creador provoca una actuación abierta, una situación que no se sabe como va a acabar o el Land art, es decir, el “arte de la tierra”, esta técnica crea el medio natural, transforma el paisaje.

 

 

 

 

 

 

 

 

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Tema 4: ¿Por qué existen las imágenes?. Sociedad del espectáculo.

Este tema empezó con una pregunta para que los alumnos debatiéramos sobre las posibles respuestas. La pregunta a responder fue la siguiente: ¿Por qué y para qué existen las imágenes? Entre las respuestas de nosotros, los alumnos, señalar entre otras: Porque conocemos cosas que no hemos visto, para recordar, inmortalizar momentos del pasado, para explicar sin palabras, para informar…entre otras.

El tema principal de este cuarto tema va a ser las imágenes.

No da igual que existan las imágenes porque a través de ellas podemos conocer cosas que sabemos que existen pero que nunca hemos visto y saber noticias de cualquier parte del mundo que sin ellas desconoceríamos. Vemos el mundo y los hechos que ocurren en él a través de ellas.

taj-mahal1Por ejemplo el Taj-mahal, personalmente no lo he visto nunca, pero sé que existe gracias a imágenes que me han mostrado sobre esta obra arquitectónica. 

caida_del_muro_de_berlin Por otro lado, la caída del muro de Berlín, aunque hace ya tiempo que sucedió, sabemos como fue gracias también a las imágenes que tenemos de ese hecho en particular.

El problema de las imágenes es que nos hace pensar. Las imágenes son interpretaciones, según la interpretemos las reacciones van a ser unas u otras.

Son capaces incluso de influir en nuestros sentimientos.

graciosaEsta imagen en sí al verla nos produce gracia.

Otra función de las imágenes es que son capaces de ayudarnos a conocer algo, pero solo a medias, es decir, si veo una célula y no sé lo que es antes de ver la imagen, pues no voy a ver una célula. Por lo tanto el papel del que mira, del espectador, es fundamental.

celula

Además nos sirven para dominar, ¿quién maneja el mundo visual? Sin duda aquellos que tienen el poder. Las imágenes a veces se utilizan como armas y son intencionadas en su mayoría y el poder influye mucho en lo que se puede ver y lo que no. Aunque también es cierto que las propias imágenes nos sirven para denunciar al poder.

foto-denuncia2Esta imagen se trata de unafuente que tiene los grifos casi pegados al suelo. Por lo tanto las imágenes también sirven para denunciar algo.

 

También podemos conocer a través de las fotos, el escándalo, por lo que nunca va a dar igual que existan las fotos, porque así no podríamos movilizarnos para protestar sobre algo que está pasando que no nos gusta y gracias a las imágenes podemos hacerlo.

israel-palestinakanoute-protesta-a-israelLa primera imagen nos da a conocer algo que está pasando actualmente y tan escandaloso como el ataque masivo de Israel a palestina. En la siguiente foto vemos como un futbolista al celebrar un gol enseña una camiseta con el nombre de Palestina en señal de protesta.

Una parte fundamental de este tema es la referida al imaginario. Todos lo tenemos en nuestro cerebro. El imaginario nos aporta incluso información de algo que sabemos lo que es porque lo hemos introducido en nuestro imaginario, como por ejemplo el sexo, incluso antes de practicarlo realmente. Por lo tanto podemos ver lo que el imaginario nos deja ver, hacemos comprensible, lo que introducimos en él. Esto del imaginario nos va a servir en un futuro para nuestra profesión, ya que tenemos que ser capaces nosotros, los maestros, de saber en que imaginario están nuestros alumnos, porque van a estar en uno distinto al nuestro.

Las imágenes antiguamente no abundaban. Pero con la invención de la imprenta, se va a expandir por todo los sitios y la van a poseer, no sólo las iglesias y la gente adinerada, que eran los únicos que tenían acceso a ellas, sino también la gente “corriente”. Con el avance de la tecnología en el Siglo XIX y XX se reproducen las imágenes. Al final del Siglo XIX aparece los medios fotográficos, dando lugar al espectáculo (la primera fotografía data de 1827). 

La gran popularidad de las imágenes llega con la película de rollo continua (1884), no pesaban y eran pequeñas y se complementa con la primera cámara Kodak. A partir de ahí el mundo se va a llenar de imágenes, por lo que se va a pasar de un mundo escaso de imágenes a otro de muchas.

En el cine, sobre todo, se ve una gran revolución. Se empieza a inventar efectos especiales (George Melies), detalles impactantes, primeros planos…

george-melies1Fotografía de George Melies.

En clase señalamos los distintos planos que podía tener una película: Plano contra plano, cenital, panorámico, primer plano, de detalles, medio, contrapicado, americano… Cada uno de estos planos no es casual, esto hace que aumente la emoción y la sensibilidad, que es lo que pretende el cine.

plano-americano1plano-cenitalprimer-plano-et1En estas tres imágenes podemos ver diferentes planos, como el americano, el cenital y el primer plano.

El cine hace desaparecer fronteras entre lo real y lo imaginario y crea realidades que son nuevas entre espectadores y creadores.

 El cine va a pasar a convertirse en el primer instrumento de política y la vida va a pasar a ser un gran espectáculo, ya que se ve todo. Se trata del primer gran espectáculo hecho sólo con imágenes  La primera proyección pública fue el 28 de Diciembre de 1895, y se usó el invento realizado por los hermanos Lumiere, que se trataba de imágenes fijas que se movían una detrás de otra.

lumieresinvento-de-los-lumiereFotografías de los hermanos Lumiere y su invento.

En el Siglo XX aparece el color y los dibujos animados. La primera película con sonido estéreo se trata de Fantasía de Walt Disney. En sólo 50 años hay un cambio espectacular, siendo la industria del cine un negocio realmente poderoso y convirtiéndose éste en una batalla de ideologías. Actualmente nos encontramos con una sociedad que ve la vida en la pantalla. El cine ha cambiado nuestro modo de ver la realidad.

Tras el cine va a aparecer la televisión (aparece aproximadamente sobre los años 30), por lo que se va a inaugurar la sociedad del espectáculo.

tvLa primera televisión.

Pero el tema de la televisión es un problema porque realmente no se mira la realidad si no lo que dicen que es la realidad, aquellos que manejan la televisión. La televisión poco a poco va a ir quitando poder al cine, transmitiendo sonido e imágenes codificadas. Las primeras emisiones datan de 1927 en Francia y UK y en 1936, los nazis transmiten las primeras imágenes en directo. En España no llega hasta 1948 aproximadamente.

La televisión revoluciona el mundo de la imagen y de la comunicación. La televisión condiciona a los espectadores, ya que los que la vemos creemos que todo lo que dicen es cierto y en realidad no todo es verdad. Es capaz incluso de cambiar a la gente, cambiando sus pasiones, sus costumbres…Se crean infinidad de publicidad y de programas, por ejemplo, el  programa 1, 2, 3 paraba antes a toda las personas para verlo, “enganchando” a espectadores de todas las edades.

familia-viendo-tv2 

Las personas tienen con la televisión el espectáculo a solo un paso, pulsar el botón.

Esto de la tecnología, tiene también sus inconvenientes ya que vamos a tener cada vez más menos intimidad, debido a las cámaras webs, video llamadas…

videollamada

Tras todo lo referido a la televisión, el cine, las tecnologías etc. debatimos en clase sobre el tema: Vivir en una sociedad del espectáculo.

Guy Debord da nombre al término  sociedad del espectáculo que se refiere a hacer algo famoso, sin intención alguna.

guerra-civilEl fotógrafo que realizó esta imagen no tenía ni idea de la fama que iva a obtener esta imagen, llegando a ser incluso un símbolo de la guerra civil.

 Aunque algo o alguien no valga “un duro”, solo por salir en televisión y formar parte del espectáculo lo convierte en algo o en alguien con fama. Por ejemplo,   los programas de salsa rosa que tratan temas sin credibilidad alguna, solo por salir en la televisión se hacen famosos y dueños de miles de espectadores.

la-noria-logo-2Programa basura.

 Por lo tanto la sociedad del espectáculo es como un juez que condena a las cosas y a las personas, es decir, si no salen en el espectáculo no son nadie.

Al ver que la sociedad del espectáculo nos maneja y dice quiénes son y quiénes no son los famosos, intentamos hacer publicidad que llega a los extremos de la agresividad,  única y exclusivamente para conseguir  salir en televisión.

publicidad-agresivaSobre todo intentamos llamar la atención mediante imágenes con contenido erótico.

Por lo tanto la televisión va a ser el primer objetivo  a conseguir de todos los poderes.

Una de las características de la sociedad del espectáculo es que siempre hay alguien grabando y cualquier tipo de cosas.

Nosotros mismos sin darnos cuenta, nos convertimos en un objeto para la sociedad del espectáculo.

escudo-piedra-valenciacfaficionado-del-valenciaLa sociedad del espectáculo nos influye hasta llegar a extremos.

Un tema muy importante es el referido al performing, es decir, lo que te dice como y porque se van a hacer así las cosas. Esto no es algo malo, lo malo es que si no lo hacemos  nos sentimos mal con nosotros mismos. El performing tiene que ver con como actuamos y tiende a repetir los estereotipos, es decir,   una conducta que se ha convertido en algo común. Por ejemplo cuando algún equipo gana un título, los aficionados a ése equipo salen a celebrarlo.

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Un ejemplo de estereotipo es el de los vascos que es totalmente falso, es cierto que algunos vascos son etarras pero no todos.

La sociedad del espectáculo lo convierte todo en un objeto  a consumir por parte del público, dominada por los políticos que poseen el poder. En dichos objetos dejan nuestra forma de pensar. Estos objetos son en su gran mayoría cosas totalmente falsas. La sociedad del espectáculo también está dominada por el miedo, el miedo a no existir y a ser rechazado.

Somos a la vez actores y espectadores de la sociedad del espectáculo. Nosotros somos los mejores anuncios para las grandes empresas. Además destacar que somos siempre espectadores, porque no paramos de fotografiarnos, nuestra vida es un álbum de fotos.

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La culpa de todo esto también la tiene internet, porque nos ha cambiado el régimen de visualidad y sin nosotros quererlo nos convierten en parte del espectáculo.

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Tema 2: Elementos de la forma, color, sintaxis de la imagen y campo visual.

Este tema se centra en 4 puntos concretos: la forma, el color, la sintaxis de la imagen y el peso visual.
-En cuanto a la forma señalar que tiene varios elementos: el punto, la línea, el plano y la figura.
El punto, se trata de la unidad mínima de información visual, el elemento mínimo de la imagen. A través de él podemos conseguir infinidad de resultados.
punto
vangogh 

Por ejemplo, en este cuadro, la noche estrellada de Van gogh, podemos apreciar como a través de puntos da al cielo mucho dinamismo y movimiento.

En cuanto a la línea, podemos definirla como una sucesión de puntos-

Dentro de ellas podemos apreciar varios tipos: las líneas rectas(horizontales, verticales,diagonales y quebradas) las línesa curvas(abiertas y cerradas) y las líneas mixtas.

Según el tipo de línea nos van a transmitir una sensación u otra.

La línea horizontal nos transmite calma:

horizontePor ejemplo, este paisaje nos da muchísima calma, conseguida gracias a la línea horizontal.

La línea vertical nos da sensación de tensión: 

verticalidadEsta imagen al verla, nos produce tensión.

La línea diagonal nos da sensación de movimiento:

diagonalEsta otra imagen nos sugiere movimiento gracias a la diagonal que la atraviesa.

Y por su parte, las líneas curvas, también nos sugieren movimiento, un movimiento más dinámico. Esto se puede apreciar muy bien en los aspirales:

aspiral2Esta imagen, al tener forma de aspiral, nos transmite mucho movimiento.

Además de estas líneas, existen otras que también nos transmiten movimientos: las líneas cinéticas, las estelas y los rastros.

                        estelas

Una técnica para sugerir también movimiento es la deformación.

 Tras ver las sensaciones que nos transmitían cada tipo de líneas, vimos lo que era el ritmo interno de las figuras. Según la forma de las imágenes y su posición nos va a dar una sensación u otra , mientras mas dinámico sea el ritmo interno de las figuras, más dinámica será la obra.

 

Después vimos todo lo referido a los planos y las figuras:

En cuanto a los planos señalar que hay 3 tipos: rectos, curvos o alabeados y mixtos. Por su parte las figuras tienen también varios tipos: por un lado las figuras regulares como son loscuadrados y rectángulos, triángulos: equilatero, isósceles y escaleno, círculos, elipses, óvalos etc. u otras como hexágonos, trapecios... o las figuras irregulares.

También comprobamos en clase,  a través de imágenes, que las formas también nos transmiten distintas sensaciones.

Por ejemplo, una obra con forma rectangular o cuadrada nos va a dar una sensación calmada, estática. Esto podemos observarlo en la siguiente imagen:

vieja-friendo-huevos4 Vieja friendo huevos, de Velázquez.

Tanto el cuadrado, como el rectángulo, si no están apoyados en algunos de sus lados, nos van a transmitir mayor tensión y va a perder equilibrio.

 

Por otra parte el círculo, nos transmite equilibrio, porque podemos establecerle su eje verticalmente  y al mismo tiempo dinamismo, porque al ser cerrado, siempre va a estar en movimiento.

Esto se aprecia muy bien en los tondos, que son obras con formato circular:

tondo-realistaTondo de Botticelli.

 

Estas estructuras también se pueden apreciar en los rosetones de las catedrales barrocas:

roseton

 

También podemos apreciar formas mixtas y formas múltiples, como vemos en el siguiente tríptico:

adoracionEsta imagen se trata del tríptico del bosco.

Un apartado interesante fue que la imagen puede estar en cualquier superficie y los soportes en los que van las imágenes son infinitos.

En esta imagen podemos comprobar que cualquier cosa, incluso el cuerpo humano, sirve de soporte para la pintura:

cuerpo-pintado

 

Por su lado, los triángulos, nos van a dar diferentes sensaciones según la forma en los que esten colocados. Si está apoyado, nos va a dar sensación de equilibrio, si tienen forma de flecha, nos van a transmitir dinamismo y si no apoyan ningún lado nos van a producir tensión.

El triángulo ha sido una forma muy utilizada en toda la historia del mundo del arte, desde las piramides de egipto, hasta increíbles edificos actuales en forma de triángulo:

edificio-triangularpiramides-de-gizeh

Edificio triangular azul, Barcelona.                                             Piramides de Gizeh.

 

El segundo gran punto que tratamos en este tema fue el color.

Pudimos ver que el colr tiene sus dimensiones: El matiz, la saturación y el brillo.

El matiz se trata del color como tal.

color-rojo 

La saturación, se trata del grado de pureza que tienen los colores. Por ejemplo estos dos colores se tratan de azules, pero la segunda imagen se trata de un azul muy saturado, por lo que la primera imagen tiene mas pureza.

untitledauntitled

Y por ultimo, el brillo, que se trata de la cantidad de brillo que tienen los colores. En estos colores podemos apreciar como la primera imagen posee más brillo que la segunda.

amarillono-xd

 

 

 

 

Además los colores pueden ser primarios(amarillo,cyan y magenta)secundarios, que se consiguen a partir de la mezcla de dos primarios(verde, naranja y violeta) y terciarios, que se consiguen al mezclar dos secundarios. Cada color tiene su complementario.

 En este círculo cromático vemos tres colores primarios, tres secundarios(creados por la mezcla de dos primarios), y seis colores terciarios(la mezcla de los colores primarios y los secundarios:

circulo_cromatico

También los colores pueden dividirse en cálidos y fríos. Los colores cálidos son los rojos, los amarillos y los naranja, y los fríos son los azulen. También son generalmente fríos los violetas y verdes.

Los blancos y los negros no son colores pero suelen ser fríos.

calidos-y-frios

Los colores cálidos, tienen un valor perceptivo más grande y se suelen representar más cerca en una obra,al igual que los saturados, mientras que los fríos tienen un valor perceptivo más pequeño y normalmente están representados en el fondo de la obra.

Tras esto, vimos todo lo referido a las armonías elementales, que se clasifican en tonales, cuando en una obra se representan variables de un mismo color, de contraste, cuando se mezclan colores complementarios entre sí, y basadas en combinaciones, como por ejemplo combinar dos complementarios.

Una característica importante del color es que según el color que tenga algo, va a llamar más o menos la atención. Por ejemplo, las señales de tráfico de obligación son todas de color rojo, que es un color que capta mucho la atención y que tiene valor psicológico.

stop

 

El último gran punto que vimos de este tema, fue el peso visual, que no es más que la capacidad que tiene un elemento para llamar la atención del espectador. En el peso visual influye elementos como:

LA FORMA: Lo vertical y lo regular, parece pesar más que lo horizontal y lo irregular.

 

EL TAMAÑO: Mientras mayor sea la figura, más peso visual va a tener. Lo mismo pasa con la cantidad, mientras más elementos haya mas peso virtual va a tener.

tamanoEn esta obra de Velázquez, destaca más las hilanderas, debido a su tamaño ya que están en primer plano.

 

EL COLOR: Mientra más brillo, más cálido y más saturado sea el color, más peso visual recaerá en la imagen.

brillanteEn este cuadro, tiene más peso visual el santo que se les aparece a los herreros porque posee más brillo.

 

EL CONTRASTE: Lo contrastado tiene mayor peso visual.

 

LO EXCEPCIONAL Y LO ATRACTIVO: Tiene mayor peso visual, la excepción, lo que no sea igual, al igual que lo atractivo va a tener más peso visual que lo simple e incluso lo sexual tiende a captar mucho la atención.

folleto_nicotinellnicotinel

Ambas imágenes se tratan de un anuncio para dejar de fumar, pero la imagen del autobús al ser atractiva, posee mayor peso visual.

sexualPor otra parte, como ya he señalado antes, lo sexual también tiene mucho peso visual.

 

SITUACIÓN EN EL CAMPO GRÁFICO: La ubicación también va a influir a la hora de llamar la atención en el espectador.

ubicacionEste cristo tiene una gran capacidad de llamar la atención del espectador ya que la ubicación que tiene en el cuadro es muy llamativa.

 

EL MOVIMIENTO: Si una imagen posee mucho movimiento, va a adquirir un peso visual mayor que si no lo tiene.

movimientoEn esta imagen lo que mayor peso visual tiene son las tres gracias, debido a la sensación de movimiento que nos transmite.

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